ブログ

リサイタルでの挑戦は、年を重ねるごとにハードルが上がってきました。

まず、無伴奏曲が増えていきました。

ドイツ留学中に懸命に勉強したバッハの無伴奏曲は、私にとって自分の音楽の土台になるものでした。堅牢な構成の中に見え隠れする、バッハのチャーミングな一面や意外性のある和音の響きは、年を重ねていくほどに自由に表現できるようになってきた気がします。その他に、夫が買ってきた無伴奏の楽譜の中には本当に難しい曲が含まれているので、未だに弾けない曲がたくさんあるのですが、少しでもお披露目できるようにしたいものです。

一度、無伴奏曲だけのリサイタルを開催したことがありました。

広い舞台にたったひとりで立つことの心許ない感覚は想像以上でした。ピアノが傍にないことが、こんなにも寂しいと感じるとは思っていませんでした。練習する時間もひとり、本番もひとりきり。それでも、今までとは味わったことのない充実感と演奏後の安堵感。練習と本番の孤独感と集中力。気楽さとプレッシャー。様々な思いが交錯して不思議な感覚でした。とにかく懸命に無伴奏と格闘する私の姿を、お客様に「目撃」してもらいたい！という気持ちで開催したリサイタルは、思っていたよりも好評でした。「無伴奏っておもしろい」「ヴァイオリンだけの音を楽しめた」という感想が増えました。お客様の反応が、そこから一気に変化して「私たち、なんでも聴けますよ！」という自信が感じられる空気に変わりました。

聴いたときにはわからなかった感覚が、少し時間を経て腑に落ちる。

ただ圧倒されて音の渦に巻き込まれていく。

心の琴線が揺れる感覚。

そういった小さな変化を私自身が舞台から聞き取れるような感じに変化していきました。

無伴奏を弾く時はとても孤独に感じます。

一人きりですべての音を表現して伝えていく作業は大きな責任と時に「本当にこれで良いんだろうか？」と悩みが深くなります。そして同時に「私の思った通りに表現すればいい」と開き直ることもあります。私の場合は、最終的には「え～い！どうぞ聞いてください！」という考えにたどり着きます。

作曲された作品は、最終的には作曲家の手を離れて成長していくものです。作曲家の意図しなかった解釈も含めて枝葉を広げ、育ち、磨かれて、時代を越えて受け継がれていくものです。その可能性の大きな作品だけが残っていくということなのだと思います。そう思うと、無伴奏曲には壮大な可能性が隠されていることに気づきます。そしてそのことに夢中になって、私は今もなお無伴奏曲に魅かれ続けているのだと思います。

12月のリサイタルプログラムは、いつでも挑戦的です。

私自身もチャレンジして臨む曲ばかりですし、お客様も今までの知識を総動員して聴きにいらっしゃいます。

初めのころは

「もっとわかりやすい曲が聴きたい」

「名曲コンサートがいい」

「モーツァルトがききたい」

といった声が多数寄せられました。

私も悩みました。

お客様が喜ぶ曲を弾いていた方が良いのかもしれない。その方が客席は満員になる可能性がある。でも、その時に夫が私に言いました。「君のコンサートなんだから、君の好きに弾けばいい。僕は難しくてゲテモノみたいな曲を聴くのは好きだし、そういう曲にチャレンジしている君を見ているのが好きだ」身近で私の演奏を聴いている人に、そういってもらえるのはとても嬉しかったです。夫は海外出張時に楽譜屋さんへ行って、難しそうな楽譜を買ってくることが好きでした。「店員さんが椅子を貸してくれて、ゆっくり見ていけば良いよって言ってくれたんだよ」「無伴奏の曲って難しそうだね」と言って渡される楽譜の山は、私にとって「ええ～こんな曲弾けないよ～」というものもありましたが、中には掘り出し物の曲もありました。ポーランドの女性作曲家「バツェヴィッチ：ポーランド奇想曲」は私のお気に入りになりましたし、「ビーバー：パッサカリア」は日本で演奏されるよりも前に私のレパートリーとなりました。今でも、無伴奏曲を弾くと夫の得意そうな笑顔が思い浮かびます。

そうしてある時から、耳に心地良い曲だけをピックアップすることを辞めました。知ったような曲ばかりの並ぶプログラム構成を辞めました。その代わり、毎回のテーマを大きく決め、知られざる曲を忍ばせて耳が慣れていく経験を積み重ね、言葉で説明していくことを意識しました。「聴衆の耳を育てよう」その思いを込めた新しいコンサート形式を模索する挑戦を選びました。

こちらが「本気」で向かっていけば、お客様にいつか必ず届くはず・・・

その思いは今も変わらず、試行錯誤しながらプログラム構成を考えています。

自転車操業のレクチャーコンサート活動。

それでも必死に準備して演奏することを使命だと思っていました。

「音の旅人®」と銘打ったレクチャーコンサートのコンセプトは【旅人となって過ごす１時間の小旅行】

曲目を解説しながら、また、私の様々な経験談を話すことによって、クラシック音楽への無意識にある敷居の高さを乗り越えていくことが目的でした。

私は気がついていました。

演奏者が一方的に必死になるだけではコンサートは成り立たない。

受け取る側にも、耳が育っていかなければ音楽が届かない。

どんなに演奏者が素晴らしい演奏をしても、受け取る聴衆に聴く準備という装備が整っていなければ、いつまでも蚊帳の外になるのだ・・。

ドイツで私が見たようなレクチャーコンサートは、演奏者と聴衆が同じ曲を見つめながら、解説を聴く（話す）ことによってそれぞれの理解を進めていく共同作業のような雰囲気がありました。演奏後にピアニストの元に集まってきて意見を述べたり、聴衆同士で話し合う姿は私には新鮮でした。演奏者は音楽を提供して終わりではないのだと思いました。演奏者はちいさなきっかけを差し出すこと、そこから育てていくのは聴衆自身なのだ・・・と。その大切なきっかけをそっと差し出す音楽は本物でなければいけない。育てていきたいと思うような音楽でなければならないのだ・・・と思いました。

私が見たドイツのコンサートは目標であって、当時はまだそこへたどり着くまでの種まきの時期でした。

私は果てしない道のりに呆然としながら、とにかく自分が弾くことを忘れてはいけない、本物の音楽を提供できる技術を磨くことに専念していました。それしか方法がありませんでした。本番がない日々を想像することが怖かったです。ドイツでのたくさんの経験を埋もれさせてしまうことが残念で仕方なかったのです。そして、自分の子どもたちを巻き込みながら、家族に頼りながら、お客様に実験台になってもらいながら進めていきました。

「もっとわかりやすい曲が聴きたい」

「あなたは自分の実験をしているだけで、お客様へのおもいやりがない」

時に凹んでしまうような言葉もありました。

でも、心地よい音楽を奏でる音楽家は私の他にたくさんいます。

私はその人たちとは違う音楽家になりたかったのです。

今、私のリサイタルにいらっしゃる方たちは、私と共に音楽の深淵にまで目を向けられるようになっています。