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無伴奏曲を弾き続けていくと、お客様の反応にも変化が見られました。

「無伴奏を聴いていると引き込まれていく」

「ヴァイオリンだけではない音まで聞こえてくる」

といった感想が寄せられるようになってきました。耳が開いてきているんだな・・・という感じがしました。聴き慣れている音だけを拾う耳ではなく、聴き慣れない音も「主張している音」として耳に残るようになってきている、と感じてもらえたことがとても嬉しかったです。ずっと聴き続けることによって抵抗感がなくなること。驚きや戸惑いも許容できるようになる耳。お客様自身が自分なりの聴き方を模索できるようになることは、音楽へ積極的に関わる姿勢だと思います。そのころには私のリサイタルは「知らない曲を聴ける」というような評価に変わっていきました。そして、そのことを楽しむお客様が増えてきたことは確かな進歩でした。

バツェヴィッチ、ハルトマン、シュニトケ、ペンデレツキ、プーランク、ブロッホ、レーガー・・・

ハードルの高いと思われる作品たちも、曲目解説や時代背景のつながりを意識しながら聴いていただくと、ちょっとずつ理解が深まっていくようでした。そのために私自身も勉強しなければならないことが山ほどありました。作曲家のことはもとより、その交友関係、時代背景、音楽家の生き方、影響などをMCにまとめるには時間が必要でした。以前に比べれば、ネット検索で調べられることも増えました。大まかに調べて事実確認をした後、最後の味付けはいつも自分の感覚と経験談でした。演奏中に解説するには短い時間で印象的な言葉が必要です。「演奏」と「話す」ということは同じように外へ向かって発するものですが、全く違う役目です。その切り替えをどうしていくのか？私にとって今も課題です。さらに当時は練習時間の確保も切実でした。子育ても少しずつラクになっていく時期でしたが、まだまだサポートは必要でした。競泳選手の次女を送り迎えする毎日。車での送迎は週に１００㎞を越えていました。毎週末の大会への付き添いは夫の役目になりました。長女は難しい思春期にさしかかり紆余曲折しながら模索している中、私自身もPTA活動に積極的に参加することも多かったので本当に無我夢中でした。時間枠をパズルのように組み立てながら、練習時間とリハーサルを組み込む日々。家族が全員参加で、それぞれが家族の応援団になる。私にとっては「生きている」「自分のやるべきことに焦点が合っている」ということを実感できる充実した貴重な毎日でした。

リサイタルでの挑戦は、年を重ねるごとにハードルが上がってきました。

まず、無伴奏曲が増えていきました。

ドイツ留学中に懸命に勉強したバッハの無伴奏曲は、私にとって自分の音楽の土台になるものでした。堅牢な構成の中に見え隠れする、バッハのチャーミングな一面や意外性のある和音の響きは、年を重ねていくほどに自由に表現できるようになってきた気がします。その他に、夫が買ってきた無伴奏の楽譜の中には本当に難しい曲が含まれているので、未だに弾けない曲がたくさんあるのですが、少しでもお披露目できるようにしたいものです。

一度、無伴奏曲だけのリサイタルを開催したことがありました。

広い舞台にたったひとりで立つことの心許ない感覚は想像以上でした。ピアノが傍にないことが、こんなにも寂しいと感じるとは思っていませんでした。練習する時間もひとり、本番もひとりきり。それでも、今までとは味わったことのない充実感と演奏後の安堵感。練習と本番の孤独感と集中力。気楽さとプレッシャー。様々な思いが交錯して不思議な感覚でした。とにかく懸命に無伴奏と格闘する私の姿を、お客様に「目撃」してもらいたい！という気持ちで開催したリサイタルは、思っていたよりも好評でした。「無伴奏っておもしろい」「ヴァイオリンだけの音を楽しめた」という感想が増えました。お客様の反応が、そこから一気に変化して「私たち、なんでも聴けますよ！」という自信が感じられる空気に変わりました。

聴いたときにはわからなかった感覚が、少し時間を経て腑に落ちる。

ただ圧倒されて音の渦に巻き込まれていく。

心の琴線が揺れる感覚。

そういった小さな変化を私自身が舞台から聞き取れるような感じに変化していきました。

無伴奏を弾く時はとても孤独に感じます。

一人きりですべての音を表現して伝えていく作業は大きな責任と時に「本当にこれで良いんだろうか？」と悩みが深くなります。そして同時に「私の思った通りに表現すればいい」と開き直ることもあります。私の場合は、最終的には「え～い！どうぞ聞いてください！」という考えにたどり着きます。

作曲された作品は、最終的には作曲家の手を離れて成長していくものです。作曲家の意図しなかった解釈も含めて枝葉を広げ、育ち、磨かれて、時代を越えて受け継がれていくものです。その可能性の大きな作品だけが残っていくということなのだと思います。そう思うと、無伴奏曲には壮大な可能性が隠されていることに気づきます。そしてそのことに夢中になって、私は今もなお無伴奏曲に魅かれ続けているのだと思います。

12月のリサイタルプログラムは、いつでも挑戦的です。

私自身もチャレンジして臨む曲ばかりですし、お客様も今までの知識を総動員して聴きにいらっしゃいます。

初めのころは

「もっとわかりやすい曲が聴きたい」

「名曲コンサートがいい」

「モーツァルトがききたい」

といった声が多数寄せられました。

私も悩みました。

お客様が喜ぶ曲を弾いていた方が良いのかもしれない。その方が客席は満員になる可能性がある。でも、その時に夫が私に言いました。「君のコンサートなんだから、君の好きに弾けばいい。僕は難しくてゲテモノみたいな曲を聴くのは好きだし、そういう曲にチャレンジしている君を見ているのが好きだ」身近で私の演奏を聴いている人に、そういってもらえるのはとても嬉しかったです。夫は海外出張時に楽譜屋さんへ行って、難しそうな楽譜を買ってくることが好きでした。「店員さんが椅子を貸してくれて、ゆっくり見ていけば良いよって言ってくれたんだよ」「無伴奏の曲って難しそうだね」と言って渡される楽譜の山は、私にとって「ええ～こんな曲弾けないよ～」というものもありましたが、中には掘り出し物の曲もありました。ポーランドの女性作曲家「バツェヴィッチ：ポーランド奇想曲」は私のお気に入りになりましたし、「ビーバー：パッサカリア」は日本で演奏されるよりも前に私のレパートリーとなりました。今でも、無伴奏曲を弾くと夫の得意そうな笑顔が思い浮かびます。

そうしてある時から、耳に心地良い曲だけをピックアップすることを辞めました。知ったような曲ばかりの並ぶプログラム構成を辞めました。その代わり、毎回のテーマを大きく決め、知られざる曲を忍ばせて耳が慣れていく経験を積み重ね、言葉で説明していくことを意識しました。「聴衆の耳を育てよう」その思いを込めた新しいコンサート形式を模索する挑戦を選びました。

こちらが「本気」で向かっていけば、お客様にいつか必ず届くはず・・・

その思いは今も変わらず、試行錯誤しながらプログラム構成を考えています。